La mitología en esta región recoge el mito de la creación, que redime al mundo por el origen del mito de Marduk y la epopeya de Gilgamesh. Esta a su vez habla de la leyenda sobre un diluvio universal.
Fue en la antigua civilización mesopotámica cuando se han recogido las primeras manifestaciones de escritura. El pueblo #sumerio creó la escritura conocida como cuneiforme, que no fue descubierta hasta el siglo XIX. Esta escritura se realizó originalmente sobre tablas de arcilla ya húmeda, mediante el tallado vegetal. Su denominación cuneiforme proviene de la palabra cuña, y se llamado así por la forma de las incisiones. La escritura cuneiforme fue después adoptada por otros idiomas en los otros reinos cercanos y los que les siguieron: #acadio, elamita, hitita y luvita, y a su vez inspiró a los alfabetos del antiguo persayel ugarítico. Ya en el período acadio se empezó a escribir también sobre el metal y la piedra. El pueblo mesopotámico fue pionero en observación de ciertos fenómenos científicos, como ocurrió con el observamiento de los cuerpos celestes y abriendo camino en el mundo de la astrología. Su empeño en mirar hacia el cielo intentando descubrir cuál era la voluntad de los dioses y de qué forma descubrir sobre un mundo más allá de lo terrenal les ayudó a empezar a constatar hechos científicos y probados sobre el cosmos. Es a la cultura en la antigua Mesopotamia a quien podemos agradecer también el primer documento de leyes jamás hallado, el Código de #Hamurabbi. Fue escrito en 1750 a. C. por el rey de Babilonia Hammurabi.2022/09/30
ARMAS, GERMENES Y ACERO
Documental de Jared Diamond basado en el libro del mismo nombre.. Diamond analiza el progreso de diferentes civilizaciones del mundo y propone una explicación a la apariencia de que la cultura de Europa occidental haya llegado a ser la predominante sobre las demás. El autor ganó el premio Pulitzer por el libro en 1998. Ha sido traducido a más de 25 idiomas.
2022/09/27
OTEIZA eta historiaurreko artea
El Arte Rupestre Paleolítico En El País Vasco
El País Vasco está situado en una zona rica en yacimientos prehistóricos, en especial del Paleolítico Medio y Superior, como es la Región Cantábrica. Por otro lado, se encuentra en el corazón del área fundamental de creación artística parietal del Paleolítico superior, que es Aquitania, el Ariège y la Región Cantábrica. Hoy en día conocemos santuarios paleolíticos muy alejados de esta área, pero la zona mencionada sigue siendo, con mucho, la más rica y esplendorosa en estas manifestaciones.
Ya desde sus comienzos el arte paleolítico tomó derroteros distintos, tales como la escultura, el grabado, el relieve, la pintura... Podemos distinguir, de entrada, dos vertientes claras, el arte mobiliar y el arte rupestre.
El arte mobiliar, realizado sobre objetos diversos de hueso, cuerno, plaquetas de piedra o cantos rodados, se limita a veces a dibujar representaciones no figurativas sobre instrumentos tales como azagayas o arpones. Otras veces las representaciones se realizan sobre objetos colgantes o sobre objetos no utilitarios, bien grabados sobre plaquetas de hueso o piedra, bien pequeñas esculturas de piedra, hueso, cuerno o marfil. El arte rupestre o parietal es el realizado sobre las paredes rocosas de las cavernas. Los medios más empleados para ello son la pintura y el grabado. Pero existen también relieves, si bien estos son más raros que los grabados y pinturas. Precisamente uno de los contados casos de bajorrelieve se da en la cueva de Isturitz, en el País Vasco.
Centrados en el arte rupestre del País Vasco, se conocen hoy una docena de santuarios que contienen manifestaciones del mismo. Estos santuarios son los siguientes:
Cueva de Venta Laperra (Carranza, Bizkaia)
Este fue el primer hallazgo de arte rupestre en el País Vasco. Tuvo lugar en 1904 y fue L. Sierra quien descubrió una figura a la entrada de la caverna. Dos años más tarde H. Breuil descubrió cuatro figuras más (Alcalde del Río, Breuil y Sierra, 1911).
Las figuras representan tres bisontes, a los que no se dibujó la cabeza, un oso completo, un bóvido poco definido y una serie de líneas indescifrables. Están realizadas mediante un grabado relativamente profundo en la roca. Su situación en la cueva distingue a este yacimiento de todos los demás. Las figuras están, en efecto, a la entrada de la cueva y pueden contemplarse a la luz del sol.
El estilo de las mismas nos lleva a un período remoto del arte paleolítico, el realizado dentro del ciclo Auriñaco-perigordiense, con algunos paralelismos en la provincia próxima de Cantabria, concretamente en Hornos de la Peña. En este yacimiento además, apareció un hueso con un grabado de la parte posterior de un caballo, realizado mediante una técnica análoga y hallado en el nivel Auriñaciense.
Cueva de Arenaza. (S. Pedro de Galdamiz, Bizkaia)
En contraposición al santuario anterior la mayor parte de las figuras de Arenaza se encuentra en un pequeño recinto o cámara lateral de la cueva, de muy difícil acceso. Además de ellas hay algunas figuras más en la galería principal de la cueva, entre las que sobresale la de un uro (Apellániz 1982).
Las figuras de la cámara son un conjunto de ciervas, la mayor parte de las cuales se encuentra en un estado muy malo de conservación. Están pintadas en rojo, mediante una técnica de punteado, similar a la utilizada en algunas cuevas de Cantabria, tal como Covalanas. Nada similar se conoce, hasta el presente, en el resto del País Vasco.
Estas figuras muestran relaciones con el Estilo III de Leroi-Gourhan (1973) y pueden considerarse realizadas en una época que va desde el Solutrense final al Magdaleniense Inferior Cantábrico. Desgraciadamente la excavación del importante yacimiento que se encuentra a la entrada de la caverna, iniciada en 1972, no marcha al ritmo deseado y desconocemos los niveles Paleolíticos del mismo.
Cueva de Santimamiñe (Kortezubi, Bizkaia)
Esta cueva ha constituido el santuario emblemático del arte rupestre vasco, hasta el descubrimiento de los importantes santuarios guipuzcoanos durante los años 60.
El conjunto principal de figuras se encuentra también en una pequeña cámara a la que se llega hoy fácilmente mediante una escalera metálica, pero a la que era difícil acceder cuando se descubrieron las figuras en 1916. Esta cámara constituye un verdadero santuario y está precedida de una antecámara donde existen varios bisontes y caballos incompletos, además de una serie de rayas.
El conjunto de figuras de Santimamiñe llega a casi al medio centenar. La especie más veces representada es el bisonte. Hay también dos caballos, un ciervo, un uro y un oso. Las figuras están en su mayoría pintadas en negro. Las grabadas son muy pocas.
Desde el punto de vista del estilo y la técnica utilizados en esta cueva, hay una gran variedad. Hay figuras completas con un importante modelado interno, junto a simples siluetas. De ahí la dificultad que muestran Aranzadi, Barandiaran y Eguren (1925) a la hora de datar las figuras. En conjunto son asimilables al Estilo IV antiguo de Leroi-Gourhan, enclavables dentro del Magdaleniense Inferior Cantábrico.
Aunque los niveles del Magdaleniense Superior-Final y del Solutrense están mejor representados en el yacimiento excavado a la entrada de la cueva, hay también en el mismo, según I. Barandiaran (1967), claros indicios de Magdaleniense Inferior.
Cueva de Altxerri (Aia, Gipuzkoa)
Esta cueva encierra un numeroso conjunto de representaciones. Las figuras han sido distribuidas por J. M. Barandiaran (1964) en 7 grupos, con más de un centenar de animales, dos antropomorfos y numerosos signos. El primer grupo, el más externo, se encuentra a 100 metros de la entrada de la cueva y contiene el grupo más numeroso de figuras. La mayor parte de ellas está grabada y representa bisontes, renos, cabras, zorros, peces, un ave y dos antropomorfos
En los demás grupos hay grabados y pinturas y añaden a las especies representadas, caballos, uros, ciervos, un sarrio y un serpentiforme. Las pinturas se han conservado mal.
Las técnicas del grabado son variadas: fino, medio, profundo, múltiple, ancho y poco profundo, rayado, raspado etc.. Se utiliza para contornos, para modelado interno, para indicación de la abundancia de pelaje (¿rayado de pelaje¿ según Altuna y Apellániz 1976) y para preparación de la roca, eliminando el mantillo arcilloso que la recubre. El rayado de pelaje plasma un estilo expresionista en muchas de las figuras que lo llevan. La pintura es siempre negra.
El conjunto pertenece al Estilo IV avanzado de Leroi-Gourhan y puede haber sido realizado en el Magdaleniense Medio o Superior-Final. La primera monografía del santuario se debe a J. M. Barandiaran (1964).
Cueva de Ekain (Deba, Gipuzkoa)
La cueva tiene una galería principal de unos 120 metros de longitud, con algunas pocas ramificaciones. Excepto un pequeño grupo de figuras situado en una de estas ramificaciones, el resto se encuentra en la citada galería principal. La conservación del conjunto es muy buena, dado que las figuras se descubrieron el mismo día en que se descubrió la galería que las contiene.
Las figuras fueron distribuidas en 5 grupos por Barandiaran y Altuna (1969). El primer grupo es el que se encuentra en una ramificación lateral de la galería principal y contiene una gran cabeza de caballo pintada a tinta plana, que parece anunciar que la cueva está dedicada a este animal, un ciervo y cierva grabados, un salmón y cuatro cabras pintadas. El grupo 2 se encuentra en la parte central de la galería principal y contiene el mayor número de representaciones. Es aquí donde se encuentra, en forma espectacular, el gran panel de caballos
En una zona de tránsito de la galería, entre los grupos 2 y 4, en un techo bajo, se encuentra una pareja de osos.
Los dos grupos finales contienen 7 caballos más y unas líneas grabadas de difícil interpretación.
Domina en el conjunto la pintura sobre el grabado y dentro de aquélla, la negra sobre la roja. En casos se limita solamente al contorno del animal, pero es frecuente el modelado interno y la aplicación de tintas planas para indicar detalles morfológicos tales como crineras, líneas cruciales, línea lateral en M, cebraduras de las patas, diferencias de coloración entre dorso y vientre etc.. Son frecuentes los casos en que se aprovechan contornos o fisuras de la roca soporte para realizar los animales.
Las figuras encajan plenamente en el Estilo IV de Leroi-Gourhan, pudiendo pertenecer al Magdaleniense Superior-Final, bien representado en el yacimiento de la entrada de la cueva. En este nivel además apareció una plaqueta grabada con figuras animales (Altuna y Apellaniz, 1978).
La cueva de Isturitz (Baja Navarra)
La cueva de Isturitz, famosa por el extraordinario yacimiento que encierra y el conjunto magnífico de manifestaciones artísticas proporcionado por el mismo, en especial su nivel Magdaleniense Medio, contiene también figuras rupestres, distribuidas en varios pisos o galerías independientes del complejo kárstico.
Así en la galería superior, o cueva de Isturitz propiamente dicha, hay varias figuras, que destacan por estar realizadas en bajorrelieve sobre roca, cosa excepcional en el arte rupestre del Pirineo. Entre las figuras sobresale la de un reno. Hay media docena más, de atribución específica difícil. Aunque Breuil (1974) las consideró de época Solutrense o Magdaleniense antiguo, no parece que sean tan antiguas, a juzgar por su estilo.
En la galería intermedia, denominada también Oxozelaia o Haristoi hay también otras representaciones, divididas en dos grupos. En el primero hay grabados de trazo muy fino, debido a la dureza de la roca soporte, y pinturas en negro. Representan cuatro caballos grabados y dos pintados, un bisonte pintado y una cierva grabada.
Dentro del segundo conjunto, en el que hay una veintena de figuras según Larribau (1982), destaca un caballo completo en el que se han modelado, mediante grabado, una serie de detalles anatómicos, algunos de los cuales han sido interpretados como guarnición y como consecuencia, como caso de ¿domesticación¿. Bien es verdad que, aunque las líneas estén correctamente interpretadas, no hay por qué ir más allá de una atadura en cautividad o un intento de doma.
Por fin, en la galería inferior o cueva de Erberua, recientemente J. D. Larribau y sus colaboradores han descubierto una serie de galerías con nuevos conjuntos de pinturas y grabados, que superan el centenar de figuras. Dominan los caballos, si bien hay bisontes, ciervos, cabras y un oso. El estudio de este conjunto, de acceso muy difícil, lo debemos a Larribau y Prudhomme (1983).
Cueva de Alkerdi (Urdax, Navarra)
Esta pequeña cueva presenta dos conjuntos de grabados. Uno frente a la entrada y otro al fondo de una estrecha galería.
Entre las contadas representaciones de estos conjuntos, destacan la de un bisonte, un ciervo y un probable caballo, todos ellos en el grupo del fondo. I. Barandiaran (1974) atribuye estas figuras al Magdaleniense Inferior o Medio.
Etxeberriko Karbia (Camou-Cihigue, Zuberoa)
En esta cueva, en un lugar de difícil acceso, hay otro conjunto de figuras rupestres, consistente en una docena de caballos, dos bisontes, dos cabras y una serie de signos y puntuaciones rojas. La mayor parte de las figuras son siluetas, con algunos detalles morfológicos dentro de las mismas. Las hay dibujadas con arcilla. Laplace (1952), que las ha estudiado, apoyándose en Breuil, piensa que las pinturas rojas pertenecen al Auriñaciense, las pinturas con arcilla al Magdaleniense inicial y las pinturas negras a una fase intermedia. Para Leroi-Gourhan (1973) pertenecen al Estilo IV antiguo, Magdaleniense Inferior o Medio.
Cuevas de Sasiziloaga y Sinhikole (Zuberoa)
Cerca de Etxeberriko Karbia se encuentran las cuevas de Sasiziloaga o Xaxixiloaga y la de Sinhikole. En la primera hay dos figuras de bisonte y en la segunda dos bisontes incompletos, un caballo y unos signos de difícil interpretación. Uno de los bisontes aprovecha el contorno natural de la roca.
En resumen, vemos que el País Vasco cuenta con manifestaciones artísticas Paleolíticas, que fueron realizadas durante todas las épocas en que tales manifestaciones tienen Iugar en Europa. Cuenta, en efecto, con una cueva (Venta Laperra), cuyas figuras situadas a la entrada de la misma, grabadas en un estilo paralelizable con el Estilo ll de Leroi-Gourhan, permite considerarlas de la época arcaica de este arte, es decir, realizadas durante el período Auriñaco-perigordiense, si bien es difícil precisar más dentro de este amplio período.
Otros yacimientos, como Arenaza, con paralelos en Cantabria, han sido incluidos dentro del Estilo III del mismo autor, por lo que su realización tuvo lugar en una época que va desde el Solutrense Final hasta el Magdaleniense Inferior Cantábrico. A esta última fase parece pertenecer también el conjunto de Alkerdi, cuyos rasgos técnicos recuerdan a los empleados en el arte mueble de las cuevas cántabras del Castillo y Altamira, concretamente a las escápulas grabadas con cabezas de ciervas, que llevan un relleno de trazos en el cuello. Trazos análogos aparecen en el cuello del ciervo de Alkerdi.
Por fin, la mayoría de los restantes yacimientos, paralelizables al Estilo lV, parece que fueron realizados en épocas más avanzadas del Magdaleniense. Así Santimamiñe, Ekain, Altxerri y el complejo de Isturitz, con las galerías inferiores de Haristoi y Erberua.
Desde el punto de vista de las técnicas utilizadas, se da el grabado (Venta Laperra), tanto profundo (Isturitz) como fino (Alkerdi), el rayado y raspado (Altxerri) la pintura en rojo unida al punteado o tamponado (Arenaza), la pintura en negro (en la mayoría) y la policromía (Ekain).
2022/09/24
Gu CHENG
Gu Cheng (1956-1993) fue un famoso poeta, ensayista, novelista y dibujante chino nacido en Beijing. Llegó a ser un prominente miembro de los «poetas oscuros», un grupo de poetas chinos surgido después de las reformas políticas y económicas de 1979. Él, junto con Hai Zi y Ge Mai, forman el trío de poetas suicidas de fines del siglo XX.
Gu Cheng tuvo una vida privilegiada, al ser hijo de un destacado miembro del partido comunista. Su padre, Gu Gong, era un poeta del ejército chino. A la edad de doce años, Gu Cheng y su familia fueron enviados a una zona rural de la oriental provincia de Shandong, por causa de la «revolución cultural», para que se «reeducaran». En esa región se dedicaron a criar cerdos. Allí, donde permaneció durante cuatro años, Gu Cheng proclamó que había aprendido poesía directamente de la naturaleza.
A finales de los años setenta del siglo pasado, Gu Cheng figuró como integrante de la revista semiclandestina Today, la cual comenzó un movimiento en la poesía conocido como menglong que significa «oscuro, nebuloso, confuso» y también «luz débil de la luna». En poco tiempo, Gu Cheng se convirtió en una celebridad internacional y viajó por el mundo acompañado por su esposa Xie Ye. Luego los dos se asentaron en Auckland, Nueva Zelanda, donde Gu Cheng enseñó idioma chino en la universidad. En 1988 la pareja compró una pequeña y destartalada casa en una isla del Golfo de Hauraki en la costa de Auckland y comenzaron a llevar una existencia de pobres.
En octubre de 1993 Gu Cheng atacó a su esposa con un hacha y después él se ahorcó. Ella falleció cuatro horas más tarde en un hospital. Él tenía treinta y siete años; ella, treinta y cinco. Todavía existe mucho debate acerca de lo que sucedió realmente aquel día.
Gu Cheng llevaba con frecuencia un pedazo de tela recortada de una pierna de pantalón jean como gorra. Con esa «gorra» aparece en la portada de uno de sus libros. A la edad de tres años él inventó su propio lenguaje, pero nadie le entendía. Él mismo expresó: «La oscura noche me dio estos ojos oscuros, pero yo los usaré para buscar la luz». La mayor parte de los poemas, dibujos y grabaciones de sus ejecuciones musicales al piano están esparcidos en colecciones limitadas. Se calcula que llegó a escribir más de dos mil poemas. En los años previos a su partida al extranjero (abandonó China en mayo de 1987) Gu Cheng tenía la costumbre de conservar sus poemas y transcribirlos en cuadernos. Decía que escribir era su forma de respirar.
En un camino de greda en invierno
Fue en un camino de greda, en invierno,
alineado con piedras.
El polvo estaba quieto bajo un sol
indiferente conservando el calor
en el frio invierno.
Cansado de caminar dijiste:
“No ves que la casa está vacía,
tal vez se han ido, sentémonos un momento
sobre este muro. “
Supe de la hierba seca sobre el terraplén,
con sus hojas rotas ofreciendo
todo lo que tienen, sus sentimientos,
diciéndome:
“En la noche todo cambia.
La suave brisa puede convertirse en bestia,
un grito perdido tras un grito salvaje”
Dijeron: no te sientes mucho tiempo,
pero dormiste plácidamente sobre mi hombro,
tu castaño pelo sobre mi pecho
plácidamente,
tan cansados aun para estirar la brisa.
El sol no puede esperar.
Como el apaleado ojo
he perdido el lenguaje para despertarte.
Fue en un camino de greda, en invierno,
la noche crecía en sombras.
La primera estrella no lloraba;
guardaba sus lagrimas de oro.
Suavemente te apoyaste en mi hombro,
en el calor de mi aliento.
Tus labios temblaron, hablando de sueños.
Lo sé, pedias perdón a tu madre.
Verano sobre el pavimento
El llanto duró toda la noche,
cuando el sol salió
las gotas de lluvia brillaban
mas que el vapor que huía.
No limpié el vidrio,
supe que el cielo era azul
y los arboles estaban afuera,
comparando sus cabellos,
golpeando sus castañuelas
fingiendo ser inmensos insectos predadores.
Todo esta tan lejos.
Una vez fueron tan frágiles
como una cigarra en la mañana
con sus alas mojadas,
las gruesas hojas, eramos jóvenes
que nada sabíamos,
nada esperábamos conocer,
sabiendo sólo que los sueños son deriva
y nos conducen al dia con nubes
que caminan en el viento
y el agua del lago puede recogerse en un espejo brillante,
vimos el verde de las hojas verdes
y no quiero saber de no haber
limpiado el vidrio,
verdes olas de tinta ascienden el verano
y el otoño golpea los remos
y los peces arrojan un brillo corriente
una risa roja color traje de baño
descolorida.
Todo es tan lejano
que el verano aun dura
y el llanto se ha detenido.
2022/09/17
Hermann HESSE
(Calw, 1877 - Montagnola, 1962) Novelista alemán cuya obra indagó en temas como la búsqueda de la autorrealización y la espiritualidad. Destacada figura de la narrativa alemana de la primera mitad del siglo XX, de relevancia comparable a la de Alfred Döblin y Thomas Mann, recibió el premio Nobel de Literatura en 1946.
Vástago de una familia de misioneros pietistas, fue destinado al estudio de la teología y enviado en 1891 al seminario de Maulbronn. De allí se fugó en 1894 e hizo el aprendizaje de relojero en Calw. En 1895 fue aprendiz de librero en Tubinga y trabajó como tal en Basilea a partir de 1899. Después del éxito de Peter Camenzind (1904) se instaló a orillas del lago de Constanza dedicado a la literatura. En 1911 viajó a la India, más tarde se fue a vivir a Berna y finalmente a Montagnola, cerca de Lugano. Peter Camenzind (1904) puede ser considerada un arquetipo del género conocido como "novela de formación", de escritura reflexiva y melancólica, sobre un joven que llega del campo a la ciudad para acabar huyendo de la cultura urbana y regresar a la naturaleza y la vida sencilla. En esa misma línea, Bajo la rueda (1906) expresa la rebelión contra la autoridad.
Pero el título que marca el paso del ecuador dentro de la obra de Hesse es sin duda Demian (1919), cuyas primeras ediciones se publicaron bajo el seudónimo Emil Sinclair y con el significativo subtítulo "Una historia de juventud": escrita en medio de una profunda depresión, la novela es sin embargo un canto a la amistad, al arte y a la vida. Siddharta (1922), diametralmente distinta, recoge la experiencia del autor en la India y se convertiría, una generación más tarde, en el libro de cabecera de los primeros "hippies", difusores del budismo y de la cultura oriental en Occidente.
El lobo estepario (1927) es acaso el más célebre de los títulos de Hesse e inicia sin duda la etapa de madurez de su obra: está construido a partir de las notas póstumas del artista Harry Haller, introducidas por los comentarios de un editor, y es un lúcido análisis sobre la locura de una época en la que muere lo viejo sin que haya nacido algo nuevo. Narciso y Goldmundo (1930), situada en una imprecisa alba del Renacimiento, presenta la contraposición de Narciso, el monje ascético, y Goldmundo, el artista, en una escuela monástica, donde traban amistad. Es la confrontación entre el mundo paterno, encarnado en el logos y la ciencia, y el arte maternal, que no representa una certeza sino una búsqueda de por vida.
El juego de los abalorios (1943), cierra lo que puede entenderse como una trilogía de culminación de la obra de Hesse, a través de un nuevo intento de reunión (los abalorios) del mundo de las artes y de las ciencias: un auténtico resumen de los esfuerzos anteriores del autor por reflejar la inquietante dualidad entre el pensamiento y el espíritu.
En la niebla
Resulta extraño caminar en la niebla…
Solo está cada arbusto, solitaria cada piedra,
no hay árbol que contemple a su semejante,
todos estamos solos.
Lleno de amigos estuvo otrora para mí el mundo,
cuando mi vida resultaba aún sencilla;
ahora que cae la niebla,
nada resulta claro.
En verdad, no hay sabio
que no conozca la oscuridad,
a quien, inevitable y silenciosamente,
lo separó de todo lo demás.
Resulta extraño caminar en la niebla…
Vivir es sentirse en soledad.
Ningún hombre conoce a los otros,
todos estamos solos.
Montañas en la noche
El lago se ha extinguido,
oscuros duermen los juncos
susurrando en sueños.
Sobre el campo, extendidas,
interminables montañas amenazan.
No descansan.
Hondamente respiran, se mantienen
unidas unas contra otras.
Hondamente respiran,
colmadas de oscuras fuerzas, irredentas
en su pasión devoradora.
2022/09/11
D. H. Lawrence
D.H. Lawrence nació el 11 de septiembre de 1885 en Eastwood, Nottinghamshire.
Fue el cuarto hijo de Arthur John Lawrence, minero, y de Lydia Beardsall, maestra. La disparidad en el rango social de sus padres fue un motivo recurrente en sus obras.
EstudiosEn 1908 finalizó sus estudios en la Universidad de Nottingham y publicó sus primeros poemas en la revista English Review un año después.
Su primera novela, El pavo real blanco, apareció en 1911 gracias a la ayuda de su amigo Ford Madox Ford. Hijos y amantes (1913), en gran parte autobiográfica, es la más significativa de sus primeras novelas y aborda la vida en un pueblo minero.
En 1912 escapó junto Frieda Weekley, una aristócrata alemana (hermana del aviador alemán Freiherr Manfred von Richthofen) que estaba casada con su profesor y con la que contrajo matrimonio dos años después, cuando ella consiguió el divorcio
Su intensa, tormentosa y nómada vida en común, le proporcionó material para muchas de sus novelas, como El arco iris (1915) y Mujeres enamoradas (1921). El arco iris fue prohibida oficialmente por obscenidad. En este periodo también escribió dos libros de poesía, Poemas de amor y otros poemas (1913) y ¡Mira! Hemos cruzado hasta aquí (1917).
Durante la I Guerra Mundial vivió agobiado en Inglaterra a causa del origen alemán de su mujer y su propia oposición a la guerra. La tuberculosis se añadió a sus problemas, y en 1919 empezó un periodo de vagabundeo sin descanso en busca de un clima más benigno.
Gracias a los viajes que realizó, pudo captar los ambientes de varios libros: la región italiana de Abruzzi en La mujer perdida (1920), Cerdeña en El mar y Cerdeña (1921) y Australia en Canguro (1923). Durante sus estancias en México y Taos, Nuevo México (1923-1925), escribió La serpiente emplumada (1926), novela que refleja su fascinación por la civilización azteca.
El amante de lady Chatterley
A partir de 1926 residió en Italia, donde escribió y reescribió su novela más famosa, El amante de lady Chatterley (1928), que trata de las relaciones sexuales entre una mujer y el guardabosques de su esposo, miembro de la nobleza. Lawrence escribía a ratos y muchas páginas del manuscrito se vieron manchadas por la sangre que escupía. A la hora de transcribirlo, una mecanógrafa se rehusó a seguir copiando "semejantes porquerías" y ningún editor quiso publicarlo hasta que en Italia se consiguió que un impresor lo editara. En 1932 se publicó una versión expurgada.
D.H. Lawrence falleció el 2 de marzo de 1930, en un sanatorio de Vence, en la Provenza francesa. Por entonces, su reputación era la de un pornógrafo que había desperdiciado su talento. Solo diez personas asistieron al funeral de DH Lawrence, entre ellos, Aldous Huxley, uno de los pocos amigos literarios que tenía en el momento de su muerte. Las últimas palabras de Lawrence fueron: "Estoy mejorando".
Quisiera conocer una mujer
Quisiera conocer una mujer
que fuera como una llama roja en una chimenea
brillando después de las agitadas ráfagas del día
para que pudiera acercarme a ella
en la dorada tranquilidad del atardecer
y deleitarme realmente a su lado
sin la obligación de esforzarme a amarla por cortesía,
ni la de conocerla mentalmente.
Sin tener que sufrir un escalofrío cuando le hablo.
Lo salvaje en cautividad
Cuando lo salvaje permanece en cautividad
Sin reproducirse
Se vuelve melancólico.
Y muere.
Todos los hombres están cautivos.
Cautivos de una actividad cautiva.
y aunque lo ignoren
los mejores no pueden reproducirse
La gran jaula de nuestra domesticación
mató el sexo en el hombre; la simpleza del
deseo es distorsionada, desviada y retorcida.
Y con la amarga perversidad
apretándolos adversamente
en la juventud odian, copulan y lloran.
El sexo es un estado de gracia.
En una jaula no puede tener lugar.
Entonces hay que destruirla.
para volver a probar.
2022/09/05
Zer da artea?
| ¿Que es el arte? Para empezar la definición que hace la RAE: |
Arte: “Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros”. Visión personal y desinteresada, puede ser, pero ¿siempre es así? ¿No hay un arte interesado, vinculado a ganar dinero o a propaganda, por ejemplo? ¿Solo interpreta lo imaginado o lo real? ¿Y por qué no lo soñado, o lo que está en el subconsciente? Como definición lingüística puede estar bien, pero ya ves que no es lo completa que necesitamos, así que vamos un poco más allá. |
| A ver qué te parece ésta: |
“El Arte es un medio por el cual un individuo expresa sentimientos, pensamientos e ideas”. Bien, pero ¿el arte es solo expresión? ¿No puede ser una cuestión puramente útil como el diseño, la arquitectura...? |
| Mira lo que decía Santo Tomás de Aquino: |
“El arte es la virtud intelectual dirigida a la producción de artefactos, bien sea externos o corporales como es el caso de las artes mecánicas o serviles (la caza, la pesca, la agricultura, la arquitectura, la medicina, ...), bien sea internos o mentales como en las artes liberales (las incluidas en el trivium –gramática, retórica y dialéctica o lógica– y en el quadrívium –aritmética, geometría, astronomía y música–)”. Observa como Santo Tomás habla de actividades que en la actualidad están bastante lejos del concepto de Arte como la agricultura o la pesca, ¡incluso la aritmética era considerada un arte por Santo Tomás! |
| Conforme vamos buscando nuevas definiciones, éstas se van complejizando |
Lee esta del Luis Borobio: “Arte es toda esa comunicación universal entre los hombres, enraizada en lo más profundo de la naturaleza humana; comunicación que se desarrolla a partir de la actividad creadora, que se materializa en las obras artísticas, y que, a su vez origina y envuelve tanto la creación como la contemplación, y nos acompaña constantemente en nuestra vida, dando a todos nuestros actos una dimensión nueva”. Ésta sí que es más completa. Fíjate que habla de comunicación, de obra, de gusto por la mirada del que la contempla... |
| Payerson decía que |
“el arte es toda aquella actividad que busca un fin sin medios específicos, debiendo hallar para su realización un proceso creativo e innovador que dé resultados originales de carácter inventivo”. |
| Y bueno, como en todo proceso, el fin está en la rendición: |
Morris Weitz, decía que “es imposible establecer cualquier tipo de criterios del arte que sean necesarios y suficientes; por lo tanto, cualquier teoría del arte es una imposibilidad lógica, y no simplemente algo que sea difícil de obtener en la práctica” (...) “el supuesto básico de que el arte pueda ser tema de cualquier definición realista o verdadera es falso”. |
2. Para qué sirve el Arte
“La finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia secreta de las cosas, no el de copiar su apariencia”. Aristóteles
No ha sido fácil definir el concepto de Arte, pero lo hemos hecho. Ahora tenemos otra pregunta ¿Para qué sirve el arte? De nuevo debemos preparar material para la exposición. Espero que nos salga tan bien como la anterior, ¿nos ayudas?
Para intentar empezar a organizarnos no viene mal que nos formulemos algunas preguntas: ¿El Arte sirve solo para gozar con él? ¿o tiene una carga de utilidad en la que habitualmente no pensamos? En realidad a ambas preguntas se puede contestar con un sí. Efectivamente, el arte termina por ser una cuestión de goce estético, disfrutamos de él si nos provoca placer, pero también tiene un carácter funcional, de utilidad que no tiene por qué estar reñido con lo anterior. Pero para entenderlo, lo mejor será que planteemos distintos ejemplos de arte a los largo de la historia y explicar qué finalidad tenía en cada caso ¿Qué te parece? ¿crees que su función habrá ido variando con el tiempo? Ven con nosotros al museo de nuestro centro para analizar algunas obras antes de empezar a montar la sección.
Horretaz aparte, jakina, sormenezko lanez gain (musika, poesia, pintura, eskultura...), bestelako akuiluek eragina izan dute kulturaren historian zehar. Hortxe ditugu, besteak beste, elikagaia lortzeko beharra, inguru geografikoak eragiten dituen erantzun kultural ezberdinak, erlijioak edo izpiritualtasunak bultzaturiko ekarpenak, unean uneko botere politikoak edo ekonomikoak beren alde lerratutako erantzunak, etab.
Garbi dago, beraz, artea oso fenomeno konplexua dela eta neurri handi batean faktore askoren menpekoa: artelana burutzeko materialak, agintarien nahiak, gizatalde baten beharrak edo ametsak, egileak transmititu nahi dituen sentsazioak edo mezuak, halabeharra , eta beste.
Dena den, arteak adar askoko norabide estetikoa du: indibidualtasuna eta sozialtzailea, konkretua eta orokortzailea, apurtzailea eta/edo kontinuista, sinbolizatzailea edo ikonografiko hutsa...
Arestian esandakoak, berriz, zirriborro txiki bat besterik ez digu ematen ekintza artistikoaren gainean. Izan ere, artearen balioa, balioa badu , neurgaitza da, neurrigabea bere txikitasunean edo oso arrunta bere berrikuntzetan; erabat bukatugabea eta naturatik hazita, naturaren kontrakoa.
Arteak, azken finean, eskatzen duena eta era berean eskaintzen duena galdera piloa baino ez da eta horiek erantzutean emaitza finkorik ez dugu lortuko; fruitua beste galdera ez bada.
Hala ere, fenomeno artistikoari hurbiltzean zer den harrapatzen saiatu beharko genuke, behintzat. Horretarako, honako ezaugarriak hartu beharko genituzke aintzat:
1.- Artea kontzeptu aldakorra da denboran nahiz espazioan zehar.
2.- Tradizio historiko baten barruan kokatzen da.
3.- Artea, teknika zein lan -era konkretuei atxikitzen zaizkio.
4.- Orokorrean, artistikotzat jotzen dena eta erabilgarria ez dena identifikatu ohi dira.
5.-Arteak esperientziaren mugak handitu eta errealitate ezberdinak azaldu egiten ditu.
Horrela, artea sentsazioak direla esango genuke. Sentsazio estetiko nahiz sinbolikoak, ekarpenezkoak ala arbuiatzezkoak. Aurrekoa lortu ahal izateko beharrezkoak dira kontenplazioa eta hausnarketa prozesua.
Horregatik ikuspuntu metodologiko zehatzetik begiraturik, oso zaila dugu definitzea. Dino de Formaggiok, hau dio:" artea da gizakiak artetzat hartzen duen oro." Gronbichek, berriz: " artea ez da, egitan, esistitzen . Bakarrik daude artistak ".
Iritziak iritzi, dudarik ez dago artearen historian zenbait diskurtso errepikari eman direla. Hortxe ditugu, esaterako, artearen begirada soziala batetik, artea arteagatik bestetik eta introspekzioa azkenik.
Lehenengoaren bidez, artistak bere esparru pribatutik at dagoena ikertu, azaldu, irudikatu eta erabiltzen du ondorio estetiko nahiz sozial jakinak lortzeko. Honi kanpoaldeko begirada deituko genioke.
Bigarrenaren arian, artistak arteari berari egiten dio galde, artearen izaera autonomoa aldarrikatuz. Prozesu honetan artelanak, berezko unibertso baten partaide bihurtuta, artearena alegia, ez du mundu errealarekin inolako loturarik bilatzen .
Azkenik, Introspekzio deitu izan dugun portaera artistikoaren bidez, aldiz, egileak bere baitan murgilduta barne sentimenduak, zirrarak, kezkak, etab. azaleratzen ditu.
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